黄金名家评论

1. 名家如何评论金粉世家

著名章回小说大师、报人张恨水先生，原名张心远，安徽省潜山县人。一八九五年生于江西广信，一九六七年病逝于北京。“恨水”这一笔名，取自于南唐后主李煜的“自是人生长恨水长东”词句中。张恨水先生一生共创作一百二十余部中、长篇小说，还有大量的诗歌、散文和杂文，在国内拥有众多的读者，是位影响深远、功力深厚的大作家。张恨水先生早期创作的《春明外史》、《金粉世家》、《啼笑因缘》等作品，曾经名噪一时，人人传阅，洛阳纸贵。他擅于用白描的手法，准确入微地刻划社会生活；他又十分熟悉旧中国的市民生活，对底层社会小人物的举手抬足、情趣追求描写得呼之欲出，创造了很多成功的形象，给读者留下难忘的印象；同时，他也是一位涉猎很广的作家，他塑造的大人物、小人物、三教九流，都是维妙维肖、栩栩如生。张恨水先生的作品曾多次出版，有单行本，也有选集。此次重新出版他的作品，我们挑选了张恨水先生的代表作，冠之以“张恨水作品经典”，以求准确，反映他的创作思想和思想发展历程，体现他一生的主要创作成就。出版张恨水先生的作品经典，尚属首次。旨在给广大喜爱他作品的读者提供一个精品阅读选本，给研究者提供一个更方便的研究版本，也为中国现代文学经典作品提供一套蓝本。这套经典，我们遴选了《春明外史》、《金粉世家》、《啼笑因缘》、《八十一梦》和一卷《散文与杂文》。《散文与杂文》主要收录了〈写作生涯回忆〉（这是张恨水先生解放前夕写的最长的一部自传体回忆录。）、〈山窗小品〉和（上下古今谈）中的部分散文与杂文。“张恨水作品经典”的出版，得到了张伍同志的鼎力支持，在此一并表示感谢。并根据张伍同志的意见，采用张友鸾先生撰写的“章回小说大师张恨水”一文作全书的代后记。

2. 最权威的黄金评论平台

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3. 马河声的名家评论

推荐马河
贾平凹
我曾给王×推荐过马河声，王×没有回音；我又给张××推荐过马河声，张××说他们研究研究，但也没有了下文。我只得向您推荐马河声了。您上任后，我与您约定我绝不以私人事麻烦您，可马河声不是我的亲戚。也不是同乡、同学。如果再不向您推荐，马河声的问题在这个城市里可能永远得不到解决，而我若不推荐，马河声则不会再有人肯推荐。因为马河声是个穷人，没有城里户口，没有工作单位，甚至三十六岁了，还没有娶妻成家。五年前我认识了马河声，我那时四十三岁，他三十一岁，我们的属相都为龙，我正好大他一轮，我惊叹他是个人才，我们就亲近起来。数年的交往，马河声从未在我面前唉声叹气，知道我与您的关系也从未恳求过我向您提出他的困境。我们相处只是谈艺术，或展纸写字作画，每到吃饭时他就走了，他拒绝我的吃请，因为吃请了就要请吃，他没钱邀我去酒楼。但我接受过他两次从家乡带来的花馍，他是让他母亲亲自做的，夏天最热的时候送给我一盘冰淇淋，那是用钢笔画在一张纸上寄我的。我不推荐他，马河声依然是马河声，但我不推荐他，我的良知却时时受到谴责。从年龄和社会阅历上讲我当然算他的老师，从书画艺术的修养上他却应该称作是我的老师。我在二十五岁时就有了工作，生计问题基本解决，几十年衣食无忧，一心搞写作方有了今日成就。马河声十多岁进城，十六七年是漂泊不定，为生计奔波，直接影响着他的艺术的成功。偌大的城里，多一个领公家薪水的人并不可能使城市贫困，但少一个艺术天才往往使城市显得空旷。多少单位人浮于事，到处的庙里有不撞钟的和尚，却有人才不去聘用，有天才难发展。我不推荐马河声，我愧于我身在文化艺术的行当里，也怀疑我心胸狭窄嫉贤妒能，而推荐于您，您若以为区区小事，从抓政治和经济工作太忙将此事束之高阁或忘于脑后，世人如果知道又会影响到您的声誉，损害您的形象。我了解马河声而不推荐马河声，您过后知道了马河声的事又定要怪我，我给您推荐马河声就郑重其事地向您推荐，所以不邀您出来吃饭，也不口头叙说，特意写成此信。那么，您就继续往下看，我说说马河声的具体情况了。
马河声是渭北合阳人。合阳地处高寒，缺水少雨，主产小麦玉米，人多刚硬厚重。马河声却性情浪漫，机敏能言。他初学楷书，秀美温润有江南习气，一出道就在行当内声誉鹊起，这也是他能在古城里生存下来的原因。至后，又开始习画，悟性颇高，所临明清小品，几乎与真迹难以分辨。若以如此手艺应酬各种社会活动，马河声绝对可以做个囊中有物、出入有车，一头长发满脸清高之士了，但马河声却突然在一个夜里撕毁了旧时所有作品。他来告诉我，他的天性里确实有秀的成分，而在一片赞扬中单一发展下去，是难以成就大作品的。他的这次改变，使许多人难以接受，却让我振奋不已!我鼓呼了他的豪华志向，也告诉他或许他是一棵丁香，但生在渭北，宽博深厚的人文环境苍凉浑茫的生存态势，丁香已经不再纤弱，若再有意识地增长自己的雄沉，又会成为大的乔木。雄而无秀则枯，秀而无骨则弱，能清醒地认识自己，及时调整自己，我对马河声从此多了一份敬畏。
如今的书坛画坛鱼龙混杂，且到处是圈起来的围墙篱笆，仅瞧瞧他们的名片，足以被其头衔吓倒，但若去看看那些展览，你悲哀的并不是这些“艺术家”，而要浩叹些这个时代的荒芜来了。书画，尤其书法，原本是由实用而演变过来的艺术，古人恐怕是没有专门的书法家的，现在书写工具改变，仅仅以能用毛笔写字就称之为书法家，他们除了写字就是写字，将深厚的一门艺术变成了杂耍。正是基于对现状的不满，我们一批作家、学者和教授组织了一个民间性的书画社团，起名为“太白书院”，马河声就在其中。马河声虽不是作家、学者和教授，却长期与作家、学者、教授在一起，他也写作过许多文章，凭着他的年轻和热情，每次活动都是积极的策划者和组织者。更有难得的一点，他是出色的鼓动家，大家在创作时，他在旁极力煽情，往往是现场气氛轻松活跃，使创作者自信心大增，以至使大家在写字画画时总叫喊：河声，河声，你快来!
马河声的书画艺术已经相当的出色，但中国书画历来重视名人，马河声的书画，说真的没有我的书画卖得好。每当我们在一起，外人只买我的字画，我就有些不好意思。有人严厉地批评马河声不迎合市场，那就一直穷困潦倒吧。马河声终不动心，他说：名人都是从未名而有名的，书画能走向市场的有政坛上的书画家，有从事别的艺术门类的书画家，但也有纯以书画成为大家的书画家，我既然纯搞书画以来未成大名，那是我的作品还不行的原因。他坦然地面对着永恒和没有永恒的局面，潜心创作。他租住了一间很破旧的房子，购买的书沿着四堵墙往上垒，而让我题写了斋名：养马池。夏天里我去过一次养马池，房间热得像蒸笼，没有空调，一台电扇已经不能摇头，他只穿了一件裤头在挥汗作画，而茶几上零乱地摆着碗筷茶缸和方便面。我见此情景，感慨良久，想中外书画史上，有多少奇才在出道时十分艰难，却总有些富豪有意购买包装，将其推入市场。但是，现在能看出马河声潜力的人不多，能看出的如我，却不是富豪，我只能今日以二百元买他一只《寒鸟》、明日五百元买他一幅《山水小品》，这点零钱又能买几顿饭几刀纸呢?
世人多人云亦云，常常莫名其妙地使砖瓦被人争，金银遭抛弃，而即使一个真正的天才，也多有锦上添花者众，雪里送炭者少。中国正处改革，多种体制并行，以致出现人的贵贱贫富并不以能力而决定于供职的单位，如果马河声不是出身于农家，有一个单位有固定的收入，分配的房子，他是一棵树，会早在数年前就长粗长大，但现在只能艰艰难难地弯弯曲曲地长它的树了。这树肯定还能长大，我们何不在它生长期浇水施肥，而在它多少年后长大了才说这是一棵好树啊?！历史当然是劳动人民创造的，但文字记载的，即为青史，却往往是帝王将相、才子佳人。作为一任领导，抓政治抓经济抓治安是基本的工作，可纵观全国，这个古城要在政治、经济、治安诸方面几年间成就显赫，跃入国内前列，那是不现实的，一个城市应有一个城市的特点，古城是文化城，发展文化就得有人才，一任领导在职不过一届两届，与其在别的方面花尽力气而成绩平平，不如抓住几个人才推出，这也不妨是为官为政的一条有效举措吧。
因珍惜马河声，我的推荐情真也易于过激，不免有胡说八道之嫌，恕能谅解，更盼有回音。若半月内亦无消息，我就摆饭局请您了。 小道寓大德 肝胆寄诗情——马河声的艺术人生
容之按：
2011年7月15—19日，“大龙河声──马河声书画印作品展”在香港湾仔轩尼诗道三四二号国华大楼三楼中华亮宝楼隆重展出。行前，他这样说：
“香港亮宝楼突然邀请办书画展，虽然图谋办展而准备作品已经几年了，前年北京展已是意外，香港这次简直是措手不及了，南北两大阵地夹击着给我“意外”，多亏人到中年有点历练，加上天性上那点从容，面对这样的双重“意外”夹击而不至于找不着北、寻不见南。好在作品很充分任尔检阅；更好在有作家方英文检阅我“人”、书画评论家李立荣检阅我“品”，都是第一时间近距离，不能排除交情的因素，面对社会大众，不仅是以上二位甚或更多的朋友，似乎都抱有充分的信心，尤其是我本人，自信从来是不缺乏的，因为我早就知道自己有几斤几两，份外之事无心顾及，我的生活我左右，这其中包括艺术。
生活的“意外”来自于人……”
一段言说，展现了马河声为人淡泊中的从容，从容中的倔强以及倔强中的幽默，是一个深负才情者的活脱脱的外露。那么，且让我们慢慢的品咂马河声的艺术和他的艺术人生，品咂那淡泊中的担当，从容中的诗意以及倔强中的随和和幽默中的沉重，马河声的艺术是值得用心去慢慢的体味的。
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马河声不是诗人，他也不以诗人自居，自身却有着诗人的气质和风华，这气质、风华得益于他的才与情，正所谓“腹有诗书气自华”，诗书蒙养了他的才情，反过来他的才情又滋养了他心中的诗意与诗境。
赏读马河声的画作《天地清明》，画上有款：“观者勿出声，小心鸟受惊；人迹若罕至，天地方清明。”我说：“题款的诗真好，富于哲思，与画的意境相得益彰。”他一笑，说：“这还是诗，我都没觉得。”正因为这“不觉得”，那缓缓流露的朴实文字，竟让人感觉到了迸发的诗意和喷薄的诗情，自然而然，不雕不琢。
一首“天生蓬蒿主，都市暂寄身。放胆一壶酒，交游万里心。虽是岸边草，不羡老龙鳞。又见春风起，梦影动遥岑。”透露的是马河声为人的坦荡和坦荡中诗性的从容，坦荡中透豪放，从容中露婉约，正是这天赋里豪放与婉约的并存，使马先生的作品在浑厚苍茫中却不失秀润灵动。窥一斑而知全豹，窥见的是绝赋诗情、诗才的马河声，有了这诗才、诗情，马先生的文字不论是断章碎句还是长片巨制，字里行间都充盈着诗的意味，诗，决不是四、八成句，五、七成言的形式上的堆砌。
马河声自况、自遣曰“坐拥书城思飘然，清茶烟雾几欲仙；窗外一双鹧鸪影，谁解悠闲到枕边。”他有闲，却一往情深的寄思于对传统文化的深度思考、寄情于对诗书画印的不懈锤炼，故而，他的悠闲是一种悠而不闲的大忙。
《诗·大序》曰：“诗者，志之所之也。在心为志，发言为诗，情动于中而形于言。言之不足，故嗟叹之。嗟叹之不足，故咏歌之。咏歌之不足，不知手之舞之足之蹈之也。”马河声先生一“舞”一“蹈”，竟以诗的语言，舞出了一根根书法的魔线，蹈出了一幅幅画图的异彩。能“用一根线条去散步”，使自己的作品成为“一种有意味的形式”。
马河声的书法，以行、草书最为出类拔萃，有熔铸百家、自出机杼的博雅，博的是“出新意于法度之内”的上下求索，雅的是“寄妙理于豪放之外”的由衷表达。故而在他的行、草书作中，仿佛有王羲之、颜真卿等诸多前贤的沾溉在，但表达的却是沉重积淀后的拈花一笑，这一笑，便透露出一个活泼泼的马河声来，性情富温柔，格调多豪放。
他的楷书，以唐宋筑基取其貌，以魏晋立体畅其神，在唐则颜真卿，在宋则苏东坡，在魏则《石门铭》、《张猛龙》，在晋则《爨宝子》、《爨龙颜》，两厢参取而自达心线，故雄浑中露恣肆，精谨里显洒脱。“放胆一壶酒，交游万里心”的六尺榜书对联，可以说是他新近楷书创作的代表作，有一段“端庄杂流丽，刚健含婀娜”的风神潇洒。
马河声很少写隶书，但一出手，便有一种骇俗的悦目。在隶书的继承创作上，甘肃人对汉简的不能深入，陕西人对“石门十三品”的视而不见，跟着所谓“流行风”的后面而不知所措，大有舍近而求远的悲哀。马河声的隶书创作则不然，显示了一个书法家占有地域优势的优越性，特立独出，以石门铭意趣寓汉隶之神，陶冶草情篆韵，在厚重博大中展现着汉唐古郡的雄风猎猎。
纵览马河声的书法，一言以概之——入古出新，入古，是对传统文化的敬畏；出新，是对自我灵魂的尊重。能入古亦能出新，即不惑于古更不昧与心，显示的是一个艺术家艺术的高洁和心胸的旷达。马先生的入古，显然不是入于某一家的一堂一室，而是纵观横览、广收博取，采得百花粉，酿成自家蜜。入古既深且博，马先生的出新自成有根之木、有源之水，虽然有一种胆敢独造的张力与魄力，却不狂不怪，简澹平和。石鲁先生说：“什么是传统？传统就是你写的好、画的好，成为别人借鉴、继承的一种形式”，赏读马先生的书作，我有一种由衷的赞叹，赞叹的是他的书法中那一份难得的传统诗意的延伸和千古文心的一脉相延，线中有诗意，字里含文心，他的书法将成为传统的另一种形式。
非同凡响的书法造诣，丰富了马河声绘画艺术的语汇，更成就了马河声绘画艺术的全面性。
马河声的山水画取法黄宾虹，起手不凡，但创作里的可贵则表现在他得法后的舍弃。黄宾虹是中国山水画史上集大成式的巨峰，他的大表现在他对前人法度的一一打碎，揉和融通而成一家法式。今人学黄宾虹却背道而行，又一一探析将一笔一划归纳——此一笔为某某，此一划为某某，津津乐道，不遗余力，若此，何不径取某某而舍宾翁？以此而论，黄宾虹之作可参不可学，马河声对黄宾虹的舍正表现了他艺术的觉醒和思想的睿智。他的山水画既有“搜尽奇峰打草稿”为天地写照的精准，更有“各有灵苗各自探”自我灵魂的放逐，于是，他的山水画中便富有了马河声式的温柔敦厚和细腻洒脱。
马河声的花鸟画不以造型准确为目的，而以气息丰赡为追求，在似与不似之间，表达着一个文人的胸怀情趣和诗意心迹。白石老人说：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”马河声珍爱艺术，不媚俗亦不欺世，在花鸟的“形”与“意”之间，表达着个人的情与意，抒写着个人的魂与灵，展现的更是本质里的真与诚。黄宾虹说：“不似之似乃真似”，这真，正是马河声既诚且挚的追求，就像他的为人。
马河声的人物画，有两种关注，一种是对传统文化的关注，一种是对世态人生的关注，两种关注流露的尽是一个文人士子的担当心。前者的创作有对前贤的追思追忆，如《万缘一尘》和《坐坐》中的弘一法师庄严端谨，如《聆听大师》四条屏中的吴昌硕、黄宾虹、齐白石和张大千的活灵活现，也有对其他姊妹艺术的笔墨重造，如《汉说唱俑》中汉俑的憨态可掬，更有对秦腔戏曲人物的笔歌墨舞，如《包公赔情》的凄凄切切，如《老生》的老泪纵横，皆纸上有声，神情毕肖，套用鲁迅先生四个字，那就是“古调独弹”。如果说他的这一列创作给人以精神上的愉悦和感情上的追忆，那么后一种创作则给人以心灵上的震撼和思想上的警醒，有着大爱、大情怀——他直视生活在这个时代的罹民难众，关注他们的难，关心他们的苦，在精神上遥接于每一个曾经关注民生、关注社会的前贤，用自己的绘画语言，直刺这个时代的痛处。如《疲惫的救赎》、《生命》以及《甲申泪》，关于《甲申泪》，那是他有过切身之痛后的深情流露。所以，面对《疲惫的救赎》、《生命》我们可以看到生者为生的艰辛以及艰辛中的喜悦，面对《甲申泪》，我们虽然没有看到以往“伟人画”中伟人一贯的俊朗、伟岸，却读出了人性的平实、纯真。还有《玉树玉树》以及《华山挑夫》等，都是他扑抓发生在现实生活中的瞬间，关注民生的大情怀的物化。描绘盛世的繁华以及生活在盛世里的安逸景象的作品，是一种爱祖国、亲平民的表现，但能刻画、扑捉隐藏于盛世繁华的苦难景象的作品更是一种爱祖国、亲平民的表现，而且这亲、这爱表现的是何其强烈真挚、何其相融一体！这才是艺术的本质和艺术的可珍可贵，这才是艺术家的可尊可敬。
这就是马河声的绘画，在创作上继承了古典艺术的精神衣钵，更能自探灵苗，写胸臆、抒情怀。传统，使他的画作有了根基；生活，使他的画作在根基的基础上有了厚度和深度；胸臆和情怀，则丰满了这厚度和深度的诗意。当然，作品里这别样的美，正得益于他不俗的才情和超拔的书法。 所以，纵观马河声先生的画作， 不但有传统有生活，更能赋予传统和生活一种萧然不群的诗意，这诗意成就了他的画作的美的厚度，也加深他画作中传统和生活感人的深度。以此而论，马先生的画作，若论其质，当如诗中杜甫，有圣者担当心；若论其情，当如诗中李白，有仙家普度意。前者有史述之德，后者多教化之能，两相结合，艺术便有了艺术之外的一种大美，也使他的画作有了史诗般的厚重。
对于篆刻，马河声这样说：
“不治印已经六、七年了，不是不爱，实在是时间分配不过来。
下面这些印蜕有的是十几年前的，最晚都是六、七年前的。
艺道里，诗、书、画、印都割舍不下，都觉得是不同的情感表达方式，虽气脉相通，但风骨有别，面目更是大相径庭，思来想去，还是将治印暂时搁置，但心里时时牵挂，赏读篆刻艺术竟是莫大的享受。
生活里，吃、喝、嫖、赌也割舍不下，都觉得是不同的生命体验方式，不吃不足以安身、不喝不足以立命、不嫖不知黑有多暗、不赌不辨光有多明。神经过敏容易崩溃，神经麻木无异走肉，将一颗良心坦然地放到世俗的生活里，虽然不能永保它如同一枚印蜕那样鲜红，但不至于变黑。世俗的生活世俗的人，似应时刻警惕标榜高贵。
我在艺道里高贵；
我在生活里世俗。
我不能让世俗高贵，唯有自我高贵；
我不能让高贵世俗，唯有自我世俗。
我暂不治印，是害怕钢刀一不留神割断自己的神经，让自己成为走肉；更害怕一不留神割断世俗的神经，让道德彻底崩溃。
我躲着，我无奈。
搁置一些才能，实在是害怕被自己吓着。”
面对这诗一样的文字和文字后面诗一样的分朱布白，我只能无语，无语中我钦佩马先生的才能修为，也钦佩他真率调侃、自污砭世的勇气，更钦佩他那“为了拥抱的割舍”，这割舍，为的是自我的完善和突破。
马河声先生正值盛年，处于艺术创作、创造的黄金时期，于诗、书、画、印，马先生不求全能竟然同精，更以诗心为灵魂，将这一串串艺术的精灵绾接，使生活有了艺术的精彩，使艺术有了生活的充实。于是，不管是生活还是艺术，在马先生的身上都洋溢着一种诗样的美……
人论
马河声的画代表了中国的诗力竹道，以其情之不可天，表现了深邃在国善。他的艺术魅力来自对世界深广影响的生活底蕴，极富艺术感染力。（俞平09.4.16）
画面用色不多，大多只是黑白，但给人很灿烂的感觉。字有大有小，都显得雄浑有力。
很感动，气宇轩昂，很有震撼力。 （郑立然）
水墨书画水平高，尤为《甲申泪》画最感人。（剡鸿甲）
水墨画能画进人的心里，人物画得非常传神，特别是眼眸，太震撼了！ （刘凯）
参观马先生的画展，很受启发，受益匪浅。作者许多有关矿工、农民的题材，也颇显生动。祝作者不断前进，为大众创作更多的作品。（宋子玉2009.4.17）
看到他的作品，感到很美，羡慕啊！ （高阳09.4.17）
画风粗犷浓墨传神，尤为中国式水墨画之感具有独创性。书法自由又有规则。凝聚着创造性。（李培荣 2009.4.17）
马先生的字潇洒奔放，书画合一，浑成天然，意境优美，扣人心怀，人物画看似朴素，但非常神似，将人物镌刻的入木三分。（刘洪兰）
很欣赏先生以自己的艺术创作反映社会和人民群众的现实生活！祝先生的艺术取得更大成就！（邹 佳）
呼唤真情，呐喊生命。（杨洋2009.4.18）
高雅、大气、脱俗。（秦靓 2009.4.18）
美不胜收。（刘国高） 气派、浑厚。（韩彦） 美、感染、感恩 ！（2009.4.19）
真实、质朴的艺术家，有骨有肉！ （刘 敬 2009.4.18）
有很多反映煤矿工人和劳动人民的作品。谢谢您！（徐 婕 2009.4.18）
淳朴、震撼、真实、大气，炎黄子孙的气质，气节赫然于笔墨之间！（段海滨 2009.4.19）
作为一名工科生，我对艺术的欣赏有限，观看完这些美丽的书法艺术后，我似乎有些体味到了中国书法、中国美术的美了。相信观看了这些作品后，我的内心会产生些我抓不住的感觉，并一直长存心中，吸引着我一直关注并真心地喜爱中国艺术。（北航自动化学院李星桥）
马河声先生的书画非常感人。其中以温总理把矿难矿工的孩子揽在怀里的表情画得那么真实，感人至深，久久不能忘怀。有这样与人民贴心的好总理是国家之本，人民之福。有马河声这样的好画家，是祖国传统文化界之幸事。（北航党贺光 2009.4.19）
马河声先生实为人民艺术家，其作品极具时代感。北航艺术馆应多出大家作品，如此方可相得益彰。（黄喜龙 2009.4.20）
马先生书画一绝。（赵丽芹 2009.4.20）
马先生书画人品皆为楷模。（韩文佳 2009.4.20）
西北的风格，豪放的风格，大家的风格。从马老师的中国画中可以看到清新的韵律，给人以不同的艺术享受。（北航 春林）
字亦画，画亦字！字画结合，浑然一体，十分打动人的眼睛，人的心窗！更感动人的应该还是老先生的大慈大悲之心，关心民生疾苦，关心天下人、天下事的心！敬重老先生！（北航一学生 魏念 2009.4.21）
喜欢您的作品中的《睡莲》、《且将厚土留子孙》、《渐与俗尘远》，尤其前两者场面宏大、色彩动人。 （王 丛 2009.4.21）
很大气的绘画风格，无愧乎“大龙”之名，也是我特别喜欢的一种风格。几幅人物画给我的印象尤为深刻，特别是（甲申泪）和小学生留影的追忆！很棒！（北航胡 2009.4.22）
先生起于秦川，字负有陕北土地之重，观之心胸，悠然而阔。（7系肖 遥2009.4.22）
有底蕴、有骨气！ （郑 4.23）
观马河声书画展有感（二首）
（一） 河声书画称优品， 大气精深蕴古今。 急舒墨浓涤世尘， 忧思画面放天音。
（二） 笔墨之功特色新， 成才之道在坚心。 民生时政民情重， 放眼生灵大河奔。
（赵双石2009.4.23）
人物肖像画得很棒，一眼传神。（Antoine）
艺高德更高！ 艺术，人之根本！
艺术源于生活，现实的煤矿工人很让人感动！（王厚成4.25）
诗中有画，画中有诗，好字，好画，好题材。（刘微 4.25）
观后深感马老师的书画大气磅礴，思想敏锐深刻。有震撼力！好！（刘培英4.25）
这真是他写的吗？好得不能相信！（北航附小学生 李景琦2009.4.26）
对“心存清白方坦荡，事留余地自逍遥”很有收获。（16系）
艺术家唯三点：大气、细腻与良心。大龙河声的书画都仿佛在呐喊，在狂奔，在重锤！
喜欢《生命》，灰色而杂乱的废墟，父亲明显被放大的手。让我托住你，任世界幻灭死亡。
喜欢《且将厚土留子孙》，天空、老牛，父亲母亲被土地逼到了纸张边缘，给一个仰望的角度，让我敬畏。
喜欢画中大块的黑色、灰色和白色，表现现实的原色与画家的冷眼。
喜欢疾速运笔时的突然顿挫，让人紧握双拳…… （人文学院 全韬 ）
人物画好，尤其是眼睛。（4系）
山有色，水无声，自有一番意境。（秦曾昌 2009年四月末）]
笔墨留香，意境无限。（徐子珍2009.4.26）

4. 沈利萍的名家评价

歌颂生命的艺术--读画家沈利萍的黑白版画
袁运甫清华美术学院教授博士生导师
画家沈利萍1957年出生于宁夏银川市，这里曾是我国古代西夏王朝的故地。作为一个强悍的游牧民族，在相对短暂的百余年里，也同时发展了自己特有的文化艺术辉煌，至今仍能从那些被历史蹂躏的废墟中，抚溯那许多令人神往的千古之谜。西夏书法狂草被称为“天书”，西夏学奥不可测被奉为“绝学”。但这个民族的精神和自然风物却是永恒存在于北方的前沿。它为伟大祖国不断地揭示了充满想象力和神秘莫测的视觉艺术魅力。--沈利萍的现代黑白版画也正是如此给予我们以强烈的美好印象。
沈利萍1989—1991年在我系绘画研修班学习。她曾于1979年毕业于湖南师范大学艺术系，后返故里银川，任宁夏书画院专业画家。和绝大多数同类艺术教育的模式相似，沈利萍的国画亦然。但她自己综合多方面的素养，而创造了以线条和黑白为主要表现语言的现代版画却极具个人的风格面貌。
与所有画家不同的创作背景，在于沈利萍遭遇的“宁夏·1993年7月23日特大空难”。她在丈夫和12岁的儿子遭受了最严重的伤残考验，经受了死亡威胁、炼狱的痛苦，沈利萍以母爱的关怀催生了儿子战胜伤残的勇气和毅力而重获新生。她的儿子还以催人泪下的文字记述了他的遇难经历--《撑起生命的蓝天—空难与我》。该文题头语是：“谨以此作献给在苦难中给予力量的我最慈爱的母亲。”2001年沈利萍荣获首届“中国十大杰出母亲”称号。
沈利萍在她的系列创作《西夏古国》、《鸟的天堂》、《东方神韵》、《回乡风情》的创作随感中，深刻地记述了自己的思考和真实感情。她说这些作品正是在遭遇了人生特殊磨难后，“凭着对生命和艺术的感恩和挚爱……是在爱与苦的历练中得到了升华……使我找到了讴歌生命的最佳途径。”在这许多作品中，作者并不是专注于具体情节，再现自然，而是创作“心际之画”，“我所画的鸟半是目中所见，半是心中所想”，因此，作者更关注“强化视觉效果及画面的情态结构，以此体现我内心世界的真实感受”。她的独特表现和思路，亦同时促使每一幅作品产生了更具艺术独立价值的审美意义，既不是插图也不是写真。作者找到了一种善于表达自己内心感受的表现语言--以黑与白以及线条与块面组合，诠释自己对历史和生活的特殊感悟。但是她的每一幅作品中，尽管在画面结构处理或是表现手法都有不同，但是总把关注的重点集中地、深情地寄托于对生命精神的颂扬和关怀，特别是对画面主体形象和动势变化，甚至是其中的细节处理和微妙的刻画都能做到至广大、精细微，其周到和用心都十分到位，因此常常能给人一种蕴寓生命、神气完美的感受。
2006年7月30日
荷塘与少女
了一容
沈利萍先生是一位优雅的女性，淡定谦和，慈眉善目。此前在画展中见过她的画作，独具风格，尤其是”荷塘与少女”，观之极美。笔触之下，无论是耀人眼目、一派塘荷幻海里正值巅峰的夏荷，抑或是秋风中摇曳的残荷，都各现其美，令人感动。她笔下的少女，目光清澈，平静无邪地打量着这个异彩纷呈的世界。清风掠过，花茎颤抖，荷叶婆娑，绿波推涌，少女矜持柔情地眼眸动人心魄。
沈利萍有着内外兼修的至善之美，这些皆从她真挚的笔底自然流淌。无论人生何其波折，她的脸上永远展露给人们的是温暖美好的笑容，此乃唯美者所崇尚的一种境界。
沈利萍先生出身书香门第，父亲是一位读书之人，无论是顺境还是逆境，乐观豁达，热爱生活，喜欢养花。沈利萍从小在那些房前屋后怡人的花香熏染中长大。有一年春节，父亲审视着挂好的年画，情不自禁地说：能把天上飞的，地上跑的，乃至自然界的花草树木，呈现在画中，是这个世界上最聪明的人！
父亲的话语深深地触动了沈利萍幼小的心灵，也在她的心田里扎下了根，使她走上绘画艺术的道路，锲而不舍，最终结出了累累硕果。
九十年代初期，沈利萍的儿子经历了一场异常的苦难，那便是1993年银川的“7.23空难”。沈利萍以她惊人的毅力和博大的母爱，帮助儿子战胜磨难，创造了生命的奇迹。也许，正是这生死磨难的人生经历，方能懂得生命的意义，更加敬畏和热爱生命，诠释和讴歌美的深层含义，才会具有一个艺术大家应有的悲悯情怀。
对一切处之平静超然的沈利萍喜欢画荷，她的荷多半有一种历经风霜后的傲骨与生机。这种美是一种大彻大悟后的宁静和淡定，是真正了悟世事本体的艺术家才有的审思和追问。细想，人生无不是在超脱和升华之中得以完善。其实每个艺术家的内心都是孤独的、唯美的、审视的。梵高、托尔斯泰、陀思妥耶夫斯基、卡夫卡、海明威、徐渭，看看这些大师们，大家于此就能明白真正的艺术家和混迹于繁华、忙于迎来送往那些官贾的伪文人之间的巨大区别。正是不凡的经历，恰恰历练了艺术家们的心志，让他们从喧闹的背后感悟到了平静、淡然、豁达、善良，并皈依大德，拯救人的灵魂和精神。
沈利萍的荷是一种大写意，一种女性经过磨难之后的坚韧和阳刚的肆意渲染，细细品味，却弥漫着一腔无尽心事和缠缠绵绵的韵意。荷叶在四下里蔓延，盘根错节，如烟雨般迷蒙着，铺天盖地，突然升起的莲子，在坚硬的壳儿里，脱颖而出，生机盎然。荷香蛙鸣于灵动的波光里弥漫升腾，鸟雀在莲蓬的枝干上呢喃私语，别有一番诗情画意。
沈利萍是一位我唯独见过的能把荷塘画出大气象的人，她笔下的荷塘能呈现出一片海洋般的景致，枝枝蔓蔓盘旋水天的莲藕，气贯长虹，吞揽吸纳日月之精华，带给观者无尽的享受与遐想……
人与自然是画家永恒的创作主题。“荷塘与少女”正是沈利萍精神世界追求人与自然和谐共存的最纯真美好的写照。少女清澈的眼眸，纯真的神韵，令观者有一种带她走出“那十八年的忧愁”，“走脱那村东的黄狗”，“去看东边的日头”的冲动。画中少女回眸一瞥，顾盼美兮，眼神中带出些许淡淡的伤感和忧郁，正所谓“出淤泥而不染，濯清涟而不妖，中通外直，不蔓不枝，香远益清，亭亭净植，可远观而不可亵玩焉”。
这就是一种大手笔。
这种表述是一种新生，也是一种婉约般的天长地久，更是一种追述和挽留。我想，那应该是沈利萍自己笔墨灵魂的化身，更是她作品中的神和魂，是思想，也是美的哲学。
近些年，许多花鸟画者，无论题材和表述方式，都比较近似。但像沈利萍这样追求完美，且独特表现少女与荷哲学命题和人生况味的绘画，是比较稀异的。其实这个题材可供挖掘的潜力非常之大。从内到外，再由外到内，从小荷初露尖尖角，到一派欣欣向荣，直至褪去繁华艳丽之后，回归本真和泥土，追随自然，春华秋实，于少女的注视中，生命的轮回更替，都在这一张张画面之上。先生画中的“荷塘与少女”，别有一番唯美，冲击着你的视觉，唤醒你内心最柔软的情感！
了一容，著名作家，新锐书画评论家，作品入选二十一世纪文学之星丛书，全国春天文学奖、骏马奖得主，作品被译介为多种语言在国外出版发行。

5. 蒋泥的名家评价

茅盾文学奖得主、著名小说家周大新先生，在给蒋泥所写的序言《好看的小说》里认为，写书的人都或多或少抱有用自己的书去影响别人的愿望，希望自己对人生、对社会、对人类、对大自然与人类关系的诸种思考，对读者产生影响，走进读者的心里。蒋泥的作品，能让读者不知不觉地受到这样的影响。他的故事好，情节性很强。行文如流水，叮咚作响。（参见《北京日报》）
写有《乡谣》《兵谣》《街谣》《碑》等优秀长篇小说的小说家黄国荣先生，也在《文汇读书周报》发表《卑贱者之歌》认为，蒋泥的小说把笔触伸向生活的最底层，真诚而又真实地把弱者的连连不幸，呈现到读者眼前，让你为之揪心，为之痛心，为之愤怒。其长篇《玉色》里的向翠瑶、向丹林和向摩叔侄三个农村贫民，和市长金东安、女儿金佳苓、妻子清帆一家三口相对结成情感纠葛，似乎戏剧色彩过浓，但金东安与向家原本生活在一个村子，这倒给故事缘渊赋予了合理性，揭示了中国官场腐败的基因——农民的劣根性。
著名作家贾平凹先生曾说，蒋泥文风洒脱，见解深刻，读来痛快。（参见《不死的光芒》）
资深编辑、作家岳建一先生则说蒋泥“才情盈溢，一似人籁，具有难得的真诚和真知”。其作涉及甚广，纵议横论，虽言辞温和乃至温婉，然而追问的努力与怀疑的精神是执著的，不懈的，充满了爱心与激情的。从作者的全部文字看来，应该说，在20世纪70年代出生的作者中，蒋泥是最具才华与代表性的作家之一。常常一针见血，十分好看。好文字，爱恨分明，良知分明，表述分明。（参见《灰色地带》）
评论家、文学博士孟繁华先生专门撰写书评认为，蒋泥的作品，是属于这个时代为数不多的具有批判力量的作品。他以“违时”的冷峻和犀利，以敏锐的感觉和认知，挥起了他的批判之剑，在时尚之外，刮起了值得关注的批评的风暴。从他的作品里，我不仅看到了蒋泥作为青年的激情和敏锐，同时也看到了他的率真与诚实。这对一个20世纪70年代出生的作家来说，是非常重要的。
著名评论家李建军先生评价道：蒋泥的作品，给我的印象是：他有批评的精神，善于提出问题，有分析问题的能力，是一个有生气、有力量的青年作家。（参见《玉色》）
北京大学中文系教授、文学博士孔庆东在《光明日报》撰文认为：读了蒋泥的若干“邪说”，很多歪理咱们就不必再掰扯了，因为他把吸烟有害健康和吸烟增加风度以及吸烟促进消费和吸烟激发灵感等等都论述到了，那种集中千军万马专打一个瘸腿老太婆的摧枯拉朽的阅读乐趣，自然就丧失了。

6. 刘宇甲的名家点评

在此，我以《真实力派画家刘宇甲》为题作文，是因为当今画坛鱼龙混杂，打着“实力派画家”桂冠者比比皆是，其中不少人自认为是“实力派”，其实是在骗外行人，是带有奸商习气的假实力派。吾友刘宇甲，淡泊名利，从不自我张扬，数十年来将全部精力投入于艺术事业，进行山水画的研习、创新、独树一帜、成就卓著，愚以为是一位真正的实力派画家。
在中国绘画史上，凡是有成就的画家都是注重艺术修养的。西汉·杨雄云：“书，心画也”。南宋米友云：“画，亦心画也”。深刻揭示了书画与创作主体内心世界的关系。自此之后，艺术批评家总是把艺术品视为艺术家的人格化，对艺术创作品评每每与艺术家人品的评价联系在一起的。宇甲先生对此，深有体会地说：“‘气韵’是作品的灵魂，是作品艺术效果的生动体现。‘气韵’的构成因素，当推‘格调’为首，‘格调’者，作品之文化内涵也。它直接显示出作者的全面修养。作品格调的高低，说到底就是作者的自身修养的高低。为了提高自身修养，我们必须做到读万卷书，行万里路”。宇甲是这样说的，也是这样做的。他为人敦厚诚实，举止大方，谈吐高雅，乐于助人，在同道中有极好的口碑。从青少年时代就爱读书，文学、历史、哲学、美学、画史、画论无所不读，读书养性、明理、行道，阅历事故，胸中学问既深，画境自然超乎凡众。翻开宇甲山水画集，一望而知出于读书人手笔，有文气，有静气，格调高雅，评论家喜欢称这类作品之作者为学者型画家。他的山水画创作，反对脱离生活的闭门造车，也不赞成“仅凭印象和记忆表现自然景物”，那样做，难免单调化、概念化和雷同化。于是他跋涉全国许多名山大川，饱游饮看，深入体察，搜寻捕捉大自然中最奇最美的最感人的物象，萦于脑际，或写生，或摄影，或录相，为其山水画创作积累了极其丰富生动的创作源泉。通过“中得心源”，创作出真切感人的艺术形象。
他有着扎实的中国画基本功，这一基本功，主要体现在笔墨上，笔墨有时也作为中国画技法的总称，泛指中国画用笔用墨的基本方法，因此，历代画家无不对笔墨予以重视。“夫画者笔也，笔以立其形质，墨以分其阴阳，山水须笔墨而成”（北宋·韩拙语）；“画岂有无笔墨”（明·董其昌语）；“笔墨是形成中国画艺术特色的一个重要组成部分”（李可染语）。宇甲深谙其中三昧，对历史上南方山水画派董源、黄公望、龚贤、髡残及北方山水画派荆浩、范宽、刘松牟、马远、夏圭等人的山水画，从置陈布势，到勾、勒、皴、擦、点等笔法，烘、染、破、泼、积等墨法，特别是皴法，无不加以研习，做到学谁像谁。对龚贤更是情有独钟，反复临摹其作，并深入地研究其生平，艺术思想与绘画成就，出版有专著。宇甲说：“只要我们有一定的笔墨功底，有一定的生活积累，有对艺术发展趋势的较深认识，又有一个不断的否定自我，倾心变法的强烈愿望，那么创新便一定会水到渠成，瓜熟蒂落”。他很清楚地认识到，学习古人的笔墨，即使乱真，也只是一种借鉴，一种手段，最终是要与古人拉开距离，距离拉得越大，创造性就越大。观其新世纪以来所作，可以看出其勇于创新，不断变法，自立门户的精神。他根据不同山石的纹理结构，运用不同的笔墨加以表现，虽有传统笔墨底蕴，但你很难说清楚是用的哪家皴法，既不同于古人，也不同于今人，而是他自家面目。他以刚柔相济的笔墨，充满无限的激情，为山水传神写照，既有院体画严格的写实精神，又有文人画的写意情趣，既有北方山水画派壮美，又有南方山水画派的秀美，在上下求索中，形成了他那雄强秀逸的艺术风貌。
他很少作全景山水，多取其局部，山石上写苍松，千姿百态；松干上常以草法笔法作枯藤牵挂之，随风飘荡；山麓之下，必作，水口垂瀑，水向峡中流出，穿过大小碎石，似有潺潺之声，有动有静，构成妙境，可行、可望、可游、可居、令人遐想，令人神往。他特爱画松，《虬龙听泉》是其代表作，皮老苍藓，翔鳞乘空，蟋虬之势，作听泉状，颇有意味。巨幅《松涛万倾》长卷（2375pxX15000px）画劲松万株，以直干为主，直插云天，重叠茂盛，气壮山河，无论春夏秋冬，冷到何种程度，还是这样的绿，狂风暴雨之后，仍巍峨独立，恰似一座钢铁长城，给人以振撼，给以力量，给人以永恒。先生说：“他之所以对松青睐，不仅是因为它多姿多彩的形态，为人们所喜爱；还因为他具有顽强坚毅的精神和大寿永年的寓意，与人们心灵的美好追求相契合。
宇甲所作多心境山水，很少题写画中某地之实境山水，却以大量实境山水素材为基础，根据主题和竟境的需要，进行综合处理创造，使人感到大自然中有此山水，而画中山水比大自然山水更美，再加之题写诗一般的画题，更能阐发画意，抒发情感。
他走的是一条传统（不拒绝吸收外来）——生活——修养——创新之路，是一条成功之路。他的山水画雅俗共赏，得到同道们赞许和老百姓喜爱。迈入花甲之年的宇甲，正是艺术创作的黄金时代，预祝其取得更加辉煌。
—— 周积寅

7. 吴维佳的名家评论

漫步与停留
——论吴维佳的绘画
徐累
犹如吞进有益的佳肴，维佳仅仅在画布上用颜料打了一个嗝，自在轻松的状态便一览无余。人们企图盘问到更多的说法，但饶舌不是他所习惯的。打嗝，已经证明了能量积蓄的信号。
有一段时间，我曾疑问过维佳的画，他是不是花了过多的时间，用于艺术经验的准备活动上——从塞尚到毕加索，从贾克梅第到霍克尼，为了丰富自己的词汇库，维佳投入了不少的精力。很快，这种疑问在93-94年的创作中找到答复。因此，我知道所有东张西望的顾盼，都是值得保留的资源，每一次深究都能直接侵入画面的某处，在创作中综合作用。这对画家来说，无疑产生类似“并发症”的有效意义。
当然，这种情况只会在对艺术传统持有好感的画家身上得到反应，而激进的艺术家往往斥之为颓败。观念至上的主张使艺术意愿逐渐凌驾于艺术技能之上，现代艺术的发展到后来几乎可以概括为对艺术技能的否定过程。所幸的是，这种趋势在90年代开始转变，国际艺坛重新优先考虑绘画中的感性价值，以及艺术技能中所包含的人文内容。这种“感觉的变化”改变了一些画家和作品的命运，强调了知觉和一如既往的经验统治。
不过，同样的情况对大陆艺坛来说又是另一回事。艺术市场的影响和某些批评的误导掩盖了艺术上的真正危机。诱惑和屈从是从外部引起的，一眼望去，政治上的装腔作势和商业行画的扭捏作态联合涂抹了目前油画领域的虚幻景观，它使画家轻易放弃掉本我的荣耀，投入到病态的追逐中。
对维佳来说，我倒不担心他是否愿意测量与流行主题的距离，而担心评论和商业对他的无所适从，平庸标准的拐杖并不能在他的画面前点点戳戳，所以许多眼睛干脆放弃了对维佳的注视。其实这对画家来说并不损失什么，因为通常的忽略理由恰恰是维佳的信心和忠诚所在。确实，维佳为自己的艺术选取的表现方向不是那么令人兴奋，油画界普遍的妥协现象——精微的写实技艺和铺天盖地的貌似怀旧的中国情趣，已经构成无所不在的媚俗“陷阱”——这在维佳的画面中无迹可寻。远离了“高贵”的画法和“高贵”的内容，是不是表示他的绘画真的被抛在当代艺术努力的边缘呢？
让我们暂且忘却这种风气形成的客观原因，想一想一直纠扰中国油画的情结因素吧。简单地说，自十九世纪油画从西方传入中国以来，画家在学习借鉴多种油画风格的同时，中国油画家并没有忘记最终形成独特的“中国油画”的总体风貌。这种梦想延续百年，“民族化”只是一种简单的提法。从林风眠、董希文、吴冠中融汇中西的语言创造，到近期盛行的写实方法罩上特定的民俗风情的外衣，无论前者“形式混合”的骨相，还是后者“内容填空”的皮相，都代表着同样努力的不同着力点。
也许是同样的潜意识作祟，我认为维佳是在不同于前两者的维度上作类似的解决课题，只不过这一切是以他的知识结构和生活准则作为依据，因此看上去有一种内外互通的自然。从一开始，维佳接触的油画风格便过于偏好后期印象派以来的丰富多样的架上语言，他在油彩的接壤和覆盖中感受到自由表达的快感，而对由古典造型牵制的形象“塑造性”没有什么兴趣。语言的选择很大程度决定了他的思考定向。幸运的是，这种表现却暗合了维佳天生命定的人文内容。
虽然维佳是以油画的语言形式表达，但落实到他的画面上，却是以中国“意趣”美学作为心理内核。尽管玩味的表现厚度和表现的丰富程度不尽一致，但在维佳看来，中国文人绘画和毕加索们游戏画面的天性如出一辙，都是借鉴风格，遵循想象和直觉，以艺术上的消遣功能和漫游节奏，达到自满自足的内心饱和。
两种近乎“保守”的倾向——画布上尊奉油画既定的审美规划和意念上延宕中国传统操作底蕴——构成了维佳艺术的个体意义。这种个体意义也提示了“中国油画”的一个重要走向，即完全由艺术和人文的内部性格共通作用，形成自然的创作旋流。实际上，在维佳之前便能找到这样的前驱者，例如赵无极。这类画家的产生之所以不多的原因，是由于它在个人深邃体验上的难度和对天才基因的过于依赖。
另一方面，维佳以他的方式检验着绘画的基础及其对它的理解方式，消解了绘画所暗示的三维空间。他曾经在与恩师苏天赐的讨论中，分析到中国油画家在僵硬营造三维空间时的勉为其难。这种难度是由思维的惯性和经验不足造成的。然而，绘画中不可逃避的二维平面性，未必不能暗示扩张的空间感。只要在绘画中保持深度的感觉，记忆的碎屑便能穿透画布的阻隔，生机勃勃的浮游起来。
由此，维佳完全在自由状态中记录幻象的闪烁，叙述对空间接受方式的一种尝试性注释，这已形成了固执傲慢的表达习惯。支配的方式是主动的，维佳不仅可以表示肯定，也可以表示犹豫，形象地进退、色彩的明灭、光线的无序移置，所有的存在没有轻重问题，只有作用问题，种种作用联系起来，扩展为画面的张力。
因此，在维佳的画面中，并没有什么符号性、或是形象隐语的主体性让我们集中注意力。某个色块，或某个不确切的形状，也能上升为主语，同时提示艺术的内涵。例如《戏剧人物》中逐步逼近的黑色与正往左角逃遁的橙褐色，同时紧张地露出它们的脆弱性；单纯从颜色堆砌的厚度看，它也可触性地表达了记忆的积累；边线揉和线条像熔岩般凝固，复活了自然浑厚的魔力……在维佳的修辞法中，没有什么值得放弃的，任何材质、光色或是形象，都是总体感触的一部分，我们看到的是不同能量的检阅。只是画家按自己的道理洗牌的仪式，稍稍让我们产生陌生感，但正是它的存在，诱使我们对维佳的作品产生好奇。
在维佳的绘画中，自发的随意性总优先于习惯结构，它甚至完全破坏了作画的初衷，而使立意面目全非。由于智力伴随灵感的作用，画家的思绪处于不断流动的突变的事件中，在流动中修改，画家便亢奋地浸入一种享受活力的水池内。从头至尾，作画过程是在不断询问“精确”的过程中度过，犹豫、涂改、修正完全被记录下来，并目的性地呈现出来成为最终结果。不断创造“陌生”事物，意味着瞄准内在感觉的旅程体验，越是增强感知的难度，越能延长审美的终结。这个过程必须延长，它往往说明了作品生命的永恒脉动。
另外一个重要意图，在于维佳企图从破坏性的修改中和破坏性的笔触中，找到“坏画”的感觉，这是为了反抗他过于依赖的优雅，同时给画面引入生涩的状态。有意思的是，当维佳意识到“坏画”的感觉开始逾越出他审美理想的既定限度时，他便开始不遗余力地予以校正，使之回复到符合他的审美尺度的范畴内。毕竟他是一个严格注意绘画素养和品质的人。冲突是显而易见的，矛盾的调节对他来说也是趣味盎然的。然而，在反反复复的搏斗和认认真真的解决下，矛盾却直接转化为意外的风格。
虽然维佳的绘画要求，决定了他不创作固定图解和具体叙事的作品，但与本质相关联的内容仍然有迹可寻。含混不清或模棱两可只是他的策略。或者他根本没有问题，因此我们也就找不到答案。由于维佳的空间表达尽可能过滤掉叙事性的完整，我们所看到的便剩下片断的残存物。正是通过这些画家秘密的窥视孔，我们知道了浓缩在画面中的观念和幻觉。
完全的个人意识形态并不完全属于画家自己，它也游荡在所有人的记忆里。尽管维佳精心地用模糊性遮蔽真意，但肉体和官能的趣味享受，以及男权的主尊意识，都成为他有能力控制的内容。就像灵敏把握色彩的表情一样，这种内心的欲望也反映了他的优越天性。维佳关心的不是隐喻，而是愉悦。但是，那些突然闯进的黑色花脸和手形，在近期的创作中引进浓重的抑郁信息，这意味着什么呢？一切都在遭受损毁，一切都在等待重建，形象也是从多次重选的画面底层若隐若现。这是一场正在排演的哑剧，它一折一折地展现着维佳的心理深度，而且如同他的艺术深度一样迷人。
1994年
绘画的本能
包林
2005年7月，吴维佳送我一本画册，展现他从上个世纪八十年代至2005年之间的画作，扉页题：“包林仁兄一笑”。是的，每当见到维佳的新作，我都会像见到老朋友一样，发自内心的高兴。
维佳八十年代至九十年代初的绘画尺寸不大，静物或人物画多为抹去了景深的平面布局，色调单纯祥和，线条率性朴拙，十分耐看，画风反映出维佳那时的一种内省宁静的状态，也是画家汲取东西方艺术营养的阶段，维佳由此开启了自己的绘画旅程。
九十年代中期，吴维佳在美国参展和游历，西方的后现代艺术思潮不可避免地对他产生了影响，画家的视野从自我审视转向了外部世界。那时的中国社会开始加速转型，现代技术造就了没有时空差异的互联网，这一新型媒体可以将东方、西方、传统、当代等所有一切原本有其边界的人文资源统统大锅烩，进而转换成时尚呈现在我们面前。维佳其后的画面自然对这些后现代“症状”做出了反应。
在随后跨世纪的十年间，吴维佳一直在用自己的画笔表现他所观看的世界。他没有刻意去寻找题材，因为题材天天都在眼前发生，无论是网络、电视还是杂志，我们已经生活在一个越来越强势的媒体中。麦克卢汉曾说“媒体即是信息”，也正是媒体编织了我们今天的生存语境，这是一个混杂的、没有时空的语境，也是一个无关真理的语境，吴维佳这期间的绘画正是主动反映了这样一种当代性，例如面对镜头的美女，劈腿跳跃的吴琼花，海平线上的军舰，睁眼的兔女郎、电视聊天室的鹦鹉等等。他将这些日常观看的碎片收集在一起，自由组合，然后想画什么就画什么。在我的印象中，金陵画家大都偏好表现民国或以前的胭脂美女或文人的笔墨雅兴，维佳的立场和视点，相形之下有些过于前卫和另类。
的确，中国的社会转型加上西方后现代艺术的植入悄然改变了九十年代以来中国艺术的话语规则，也让维佳在不断适应这个规则。“多元”让人们看到了自由的两面性：一方面它在消解集体主义的宏大叙事，让传统的一元审美死亡，另一方面它不得不想方设法自我救赎，让自己的那一元在当下如何出位，如何超越其它元。列维根斯坦早就预言二十世纪是一个语言的世纪，到了马格利特，画中的一支烟斗与“这不是一支烟斗”的一行文字则揭示了语言和话语双重编织的陷阱。今天看来，后现代艺术的最大特点不是多元，而是将观念前置的基本策略，让观念选择手段，让观念主宰所指，让观念引导话语，最后让话语成为权力。这令我想到“皇帝的新衣”这则寓言，这里隐含着场域的秘密，胆大的裁缝将新衣的“无”在特定的场域中转换为“有”，是因为周围的叩拜者在遵守着这一场域中的话语规则。于是我们看到，当下的艺术家似乎大都在做着裁缝的活，像杜尚那样，观念先行，找准场域，目的、样式、观看甚至鼓噪喝彩都可预先设定。至此，当代艺术抛去了架上绘画，绘画也不再拥有自身的目的和意义。
我们不得不重新审视过去十多年来中国艺术实验所形成的话语规则，同时也对那些敢于无视这种规则，一直坚守绘画本能的艺术家深表敬意。他们无论怎样探索和实验，但一直都不曾放弃用自己的眼睛在观看，用自己的直觉在理解。他们就像那位不懂得规则，说皇帝没穿衣服的小男孩一样，我行我素，用直觉在观看，用本能在说话。我相信这种率性和天真只能在生命中那些偶发的、生动的、不确定的东西闪现时才能体验得到。
说真的我很高兴，仔细观看吴维佳最近的近作，我觉得他正在突破他自己，他在迈入一个新的时期。摆在我眼前的这批纸本作品像是画家的日记，如果说吴维佳2005年以前的画大体是“观看的观看”（媒体先看我们后看），那么现在的吴维佳寻找的是直接的观看，属于那种相信直觉的观看，一如我们在生活中平常之所遇和所见。
维佳开始表现我们当下人的生活情景，重新注重人与空间的相互关系，如休闲度假或朋友聚会，海湾、浴室或树林等具体的空间场域进入了画面，成为新的构成元素。以往天马行空突兀奇来的惊悚造型不再出现。当那些直接的素材落实在灰黄色的纸本上时，沾了地气的此情此景便不寻常，它们几乎都被透明的颜色蒙上了日暮般的光照。看开来，像是盛世黄昏的朦胧，更像是曾经我们疏于表现的冷暖人生。维佳的画法绝非再现写实，但令我感到亲切和真实，他的表达方式和我的理解方式彼此没有障碍，而这些空间场域的表现，正是维佳以前的绘画实验中有意无意被去掉的。由此，我以为，是绘画的本能再次改变了维佳的观看，也许，吴维佳画着画着又回到了艺术的原点，变成了那个说出真相的率真小男孩。
回到绘画本能的渴望，只是在强加给我们的观念变成一种视觉暴力之时才会愈发强烈，我与维佳一样，宁愿退回到一种属于自身的体验中来，将绘画当作一种具有快感和满足的生存选择。
2011-4-25于清华园
我看吴维佳的画
苏天赐
吴维佳的画有一种纯粹的美。形与色的和谐随笔游走，使我不必去追究他所描绘的是什么，便会感到一种精神上的愉悦与舒适。这种美感来自那种诉之于视觉的语言。以戏剧隐喻人生也许已是艺术中的老套，但吴维佳的油画《戏剧人生》与老套没什相干。虽然画中有脸谱，有舞台表演，还有一点“性”的潜意，但这些都不过是喃喃的呓语，他清醒着要寻找的，是随地走来俯拾即是的“山花”“野草”。是与形与色的逸语，欲行便行，欲止便止，不拘行迹，所以自由自在。
吴维佳在表述他的创作状态时曾说：“凭着对事物的直觉，我总是在工作的过程中找到一些有意思的东西。”说得很实在，也许正因为这种对艺术的纯情所在，他的作品远离了浮燥、迎合、矫饰和虚夸。
2002年9月
聊聊维佳兄的画
朱新建
大学毕业不久的时候，我在南京，维佳在南通，有一次收到他一封信，说画画的都是好疯子。意思是说，我们疯归疯其实人挺好的，有点自我表扬和互相表扬的劲头，挺臭美的。
那时侯他迷毕加索和立体派，非常认真地把金冬心也算成立体派，梁揩也算，四王不算，因为，那时候他认为四王画的不好，凡是画的好的都算，好像安格尔和塞尚也是立体派。他用他认为的“立体派”方法疯狂地画画，油画、水墨、水彩、铅笔什么都画，布上、纸上、墙上甚至连书的侧面都画，到处画，他的感觉很细腻，却粗犷、直爽、毫不扭捏罗嗦，笔下有罕见的自信。
后来，我去巴黎流浪，他到南京师范大学去教书了。有几年没在一块儿泡。只是经常在一些刊物、杂志上看到他的画，“派头”一直很大。
后来，我回了南京，又在一块儿泡了。
离开南京十几年，觉得南京更像南京了，这块据说已经消尽了金陵王气的六朝烟水地，好象一直就是艺术家们“堕落”、偷懒的乐园，且不说如李煜、龚贤这样的古人，既是如朱自清、俞平伯笔下的“灯影”、“桨声”也足以教我们“不求进取”了。再见到维佳的时候，我们都是二号小老头了，这家伙已经很像“南京人”了，张罗张罗新屋的装修，打打跑牌或八十分，很有学问地喝喝茶，坦然地睡睡懒觉
画画本来与喝茶、打牌、睡懒觉一样，是快活事情。读维佳近作，觉得这家伙越来越快活了，笔底下自由、通脱起来。有人形容江南士风喜欢用俊逸、超然这样的字眼，我想，用来形容维佳的画倒是不错的，我喜欢我这个快活的老朋友的画。
2001年2月12日在南京

8. 最新的黄金评论在金道官网上能看到么

基本面分析

日本央行将于今日亚洲时段公布利率决议。根据此前日本政府及央行官员的一系列表态，市场普遍猜测日本央行将响应新首相安倍晋三的呼吁，大力推行激进的货币宽松政策，以此维持日元贬值态势。而日本央行今日开闸放水，其波涛究竟如何汹涌，是否会推出额外的出乎市场意料的新举措，无疑成为了市场的最大悬念。

技术面分析

黄金：日图上看，现货黄金昨日小阳线收盘，整体上行趋势暂未改变。不过短线来看，上方60日线位置1695附近及1700整数关口构筑了1695-1700的强阻力带，只有有效突破这一区间行情才会延续强势，不然或将陷入回落小区间震荡行情。

白银：日图上看，现货白银昨日阳线收盘于32整数关口及60日线之上，多头趋势保持完好，短线比现货金较为强势，操作上仍然以回落做多为主。

数据分析

昨日欧元区财长会议没有对重要事件讨论出直接结果，加上美国市场休市，金银全天波动幅度较小。短线1695-1700压力带将对金价上涨造成重要压制作用，上攻未果的话短线或将陷入震荡行情。

今日关注

2013-01-22 11:30 日本 央行公布利率决定

2013-01-22 23:00 美国 12月成屋销售总数年化(万户)

2013-01-22 23:00 美国 1月里奇蒙德联储制造业指数

黄金白银操作建议

黄金白银短线仍保持多头趋势，操作上以做多为主。可于现货黄金1688附近做多，止损1683附近，目标1700-1710；可于现货银31.95附近做多，止损31.70附近，目标32.50附近。

9. 张小路的名家评论

著名画家霍春阳读张小路花鸟画
当今中国画界充满了浮躁与虚华。大多的中国画家缺乏中国传统文化精神的滋养，在艺术上是”有为’的境界，是‘强其志、弱其骨’的，颇有‘语不惊人死不休’的心态。迎合世俗的需求，精神修养的匮乏，物欲的驱使以及功利的心态，使得整个中国画界丧失了艺术的价值标准。作画求新、求奇、求怪，追求个人面貌如何与众不同，追求所谓的‘视觉冲击里’不讲笔墨、不讲线条、不讲设色，甚至是以颠覆笔墨线条、颠覆传统文化为能事，这些都是极不健康的。这种求来的，挖空心思设计包装出来的‘风格’往往是价值不高的 。它破坏了艺术最原本、最有价值的东西--纯朴、自然。古人所谓的‘清心’不应该是‘务心’。艺术的好坏、文野、高低要看境界，这才是艺术的本质。而这种境界的到达，要有深厚的传统文化的滋养，要有高妙的笔墨技巧。
在这样一个浮躁、虚华的社会，可贵的是小路将利欲纷争、灯红酒绿拒如隔世。不以狂怪梀闻，不以浓艳争宠，不以趋时获利，不以新奇博名。一直坚定地走着“清心、务本”的创作道路。注重学习研究传统文化，提高自身精神修养；深入研究传统经典绘画，在用笔用墨用色及章法、造型上能够做到“不泥于古而不为时趋”这是十分难得的。特别是她近期创作的作品基本功扎实，笔墨空灵秀润、气韵清新典雅、勾勒点染意趣盎然、流露出一种娴静、洒落、朴素、自然之气，取得了可喜的成绩。期待小路有更多的好作品。
雅逸超脱 画卷幽馨
——天津美术学院中国画系教授喻建十
“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索。”自张小路毕业于天津美院，已过 10 年之暇。汝以沉心静思、倾注心灵，而寡淡世俗为气韵。访友求师、拟古探今。潜心研究中国传统绘画之精要。
小路其人，温和而内敛；与世不计声名之狭义，而论作品之短长。其作屡入多刊，参展国内大展，遂至于泛认可和垂青。静心耕耘，层层深入，文人雅韵，溢于笔端。水墨没骨花鸟，施以浓墨淡色，赋色清远，风格秀雅。形成自己墨色苍润、洒脱自然的物我风貌。花之于牡丹芍药，禽之于鸾凤孔翠，必使之富贵，而松竹梅菊，鸥鹭雁鹜，必见之幽闲，至于鹤之轩昂，鹰隼之击博，杨柳梧桐之扶疏风流，乔松古柏之岁寒磊落，展张于图绘，而心怡万物之意象，绰约纸砚，笔醉靡费，墨尽迹遁，大象无端。非良好之传统无可使然，非精研之功夫无助于造化。
作品《不知春意到梅花》，宛如隔帘观月，凌水看花。设色一片静谧，而无一丝尘气，精工而不匠气，率意而不移精神，达到平和简静之深邃境地。其画著色花果翎毛，极其精巧，取水墨为烟波，出没雍容览无穷极之态，颇见清远之云气。 小路孜孜以求清新、高雅、书卷气之境界，许多古老的绘画题材一经她的再创作，展现出来 赋色明艳、造型生动、点染烟润、生意流动之物象。水墨没骨花鸟，笔墨稳中求放，简洁清润。精中求精，励志使其画臻于至美。
虽艺术之途必经穷其心智而无可使其然，如 木盆濯足，花海沐身；昔有王谢，今无竹贤。然人生朝露，仰首抚心，无入画意者，而舍其境地。 心无城郭，而有经纶。驰羽翅翔于九天之上，掠尘于渺云之端。唯恒心树志，曲直有度，无卑于晨曦之精气，不亢于暮景之华彩。如是，岂能无憾！

10. 熊广琴的名家评论

——熊广琴和她的花卉
文/郎绍君
中国画家常常迷失在牡丹的“富贵”象征里，把牡丹画得妖艳而俗。熊广琴画牡丹恰恰相反，不要艳而俗，甚至不要艳而不俗。而是追求更具人格象征意味、更富精神性的东西。在画法上，她有时弱化花朵的刻画，强化枝叶的描绘，努力透过枝叶与花朵的生动姿致，表现花卉本身的生态自然之美，也传达一种散淡优雅的神情；有时着意刻画牡丹花之“淡”：在颜色的显隐之间，欲退未退之际，显示一种平淡朴素的气质，暗示一种别样的情怀。有时又借物喻人，通过诗词题跋引发观者的联想，如《横幅牡丹》题：“玉容谁得顾，无风自婀娜。品性谁人识，大美自不言。何劳丹青手，真态自鲜妍。晨露彩云里，暮宿烟霭中，春荣秋亦谢，飘零君不知。”我们虽不能把这样的题诗视为自喻，但它暗喻了一位女性艺术家的人生体会，是不错的。
进入新世纪以来，熊广琴在坚持《西湖四季》一路没骨画法的同时，特别强化了笔法的运用。以《玉泉之忆》为代表的墨梅系列，突出的是汪近人、金冬心式的圈花写干。用半生的淡色纸,淡墨勾画,略染铅粉，重墨点苔,意在营造一种充满清气、透着古意的情调和气氛。以《静日观花·松竹》《静日观花·茶花》《静日观花·辛夷》《静日观花·牡丹》等为代表的焦墨花卉系列，在空间处理融入现代平面构成的因素，淡化纵深表现，在画法上用焦墨、枯笔描绘枝干和花朵，用湿笔染叶色，纷乱的枯笔与富于水分的花叶散置于画面，让人分不清春夏秋冬，但笔墨间形成一种奇妙的照应与和谐，散淡而有节律，粗头乱服而不失妩媚，与当代画坛那些漂亮、甜腻、充满制作气的作品迥然不同。它是用笔墨描绘的自然状态，也是对心理体验和生活感受的生动传达。 文/冯远
熊广琴孜孜不倦地耕耘，有此收获，是可贵的也是难得的。细细品读她的作品，我觉得：作为多年研习中国画，同是置身于现代繁华都市和社会、文化转型时期的现代青年女性，在她身上确实具有着同龄人不易具备的天赋条件、勤学毅力、感悟灵性和较好的审美眼光，我想这是成就她取得今天这样成绩的关键因素。
首先，这要得力于她有着极好的艺术直觉和感性认识。这种感性意识得益于她活跃的形象思维和艺术想象。事实上，不管从事何种艺术，想象与直觉都是贯穿艺术活动始终不可或缺的基础条件。直觉还表现在善于通过对象表面把握和驾驭对象的内在本质，即直取核心的能力和理性判断。直觉并非与生俱来，是在一定的禀赋素质条件中加上知识储存转化为修养而具有的一种分析、归纳、概括、判断的认识能力，这是从事艺术创作和能够取得成就的必不可少的条件。幸运的熊广琴不仅拥有，而且运用发挥得很好。正是有赖于这种素质，使她在长期的修为中能够去粗取精、去伪存真、取法乎上，因而少走了不少弯路。
其次，熊广琴在她从事艺术学习和创作的过程中，讲究方法。从不局限于技术的修炼与研磨一寓，不就技论艺；而是广涉博览，大量阅读。不仅认定读书学习是一辈子的事，同时明白它山之石和此山之玉的关系。从古到今，包括中外至二十世纪的美学文论、艺术批评、传统中国画论等等，她都有所接触了解。这种自幼养成的良好的阅读习惯，使她在生活中便多了几分定力，“定而生慧”是在今天这个追慕时尚难得潜心的浮华时代尤为难得的修学方法。熊广琴就是以这种看似最简单的方法在积累智慧，经年累月，使她眼界即开，思维多向，而非局限于某家某派的观念和技艺。长期沉迷于传统文化中最为经典、精粹的艺术，这又使她眼力既高，趣味摒俗。从事艺术创作就在一个相当层次的起点上出发，进而能够自出机杼、异于他人。
再次，广琴生长在历史上的六朝古都——南京。这里千百年来殷实富庶，系传统华夏文化的传承之邦，历史文脉丰厚，代有人杰引领文坛风骚。熊广琴受六朝文化氤氲氛围的濡染，又赶上国家经济强势，文运昌盛，文化艺术百卉竞艳，得天时地利，这就使她的作品品味纯正，气局不小。更为重要的，是注重博采众长的女性思维在对中国书画艺术的体认和颖悟方面，比一般同业男士多了一份细心与慧察。多年苦学有成，来自同行、师长的褒奖激励着熊广琴，也因此，她在设定艺术价值取向的时候，敢于直面女性身份应对当代写意花鸟画的发展创新，即中国传统花鸟画艺术向现代形态转换的大课题。这种对于理想目标的追寻，注定了熊广琴必须继续勤学敏思，必须刻苦坚韧，甚至皓首穷经，倾一生心力而为之。 ——熊广琴的写意画鸟画
文/王镛
广琴对清雅嫩逸、独抒性灵的格调和境界的追求，与她对写意花鸟画的现代性的追求是同步的。她毕竟不是古代社会的闺阁画家，而是现代中国的知识女性。她属于改革开放时代成长起来的青年一代画家，多次出国观摩过西方现代艺术，又从事过现代平面设计，写意花鸟画的现代性自然而然成为她自觉的追求。20世纪90年代中期，她创作的《近水图》《家在清风雅雨间》《香满西湖烟水》等作品，尝试拆解吴昌硕的笔墨程式，糅进色彩和构成等西画因素，追求墨色浑融的诗境描绘，有较强的现代感，得到师友们的肯定，她以为在中西艺术之间找到了一条自己的路。后来她到欧洲观摩了西方各个流派的大量原作以后，又自我否定了自己的尝试，决定还是沿着中国画本体道路走，回到传统。她仔细研究了潘天寿和郭味蕖的写意花鸟画，发现“他们的画之所以有那么笃定的现代感，是因为他们很敏锐地捕捉到了时代的脉搏，并有足够的能力把时代精神和深藏内心的人文关怀准确地移注于画面。深厚的学养，天赋的才情，成就了经典的图式和风格。”中国艺术的现代性问题也是我近几年关注的焦点。我认为，强化个性与简化形式是现代艺术的两大特征，而且是东西方现代艺术的普适特征，也是衡量艺术是否具有现代性的重要标准。在中国传统艺术的丰厚资源中，也蕴涵着类似现代艺术特征的元素和萌芽，特别是中国传统艺术的精髓——写意精神，为强化个性与简化形式开辟了广阔的空间。今天我们还特别欣赏梁楷、徐渭、石涛和八大山人的作品，大概也因为他们鲜明的个性和简化的形式富有“现代感”，容易唤起现代人审美情感的共鸣。我这种现代艺术观点，获得了不少中国画家特别是写意画家的认同，包括广琴。广琴在她的论文《不同的孤愤与狂放——徐渭和朱耷花鸟画比较》中指出：徐渭和朱耷都是“有鲜明风格的个性派画家”，徐渭“以本色和真性情放笔挥毫，直抒胸臆”，朱耷的画风“简逸高迈”，“笔简墨精”，给当代中国画提供了“现代性启示”。她撰写这篇论文时并不知道我的观点，但“英雄所见略同”，她凭借自己敏感的悟性和深入的研究，已经从徐渭和朱耷的写意花鸟画中发现了强化个性与简化形式的现代性基因。“直抒胸臆”就是强化个性，“笔简墨精”就是简化形式。“独抒性灵”也等于强化个性。正如陈师曾在《文人画之价值》中所强调的：“所贵乎艺术者，即在陶写性灵，发表个性与其感想。”性灵派画家恽南田崇尚简约高贵，说：“画以简贵为尚。简之入微，则洗尽尘滓，独存孤迥，烟鬟翠黛敛容而退矣。”并说：“愈简愈难。”（《南田画跋》）钱杜则说：“愈简愈佳。”（《松壶画忆》）简化形式就是要删除繁琐的细节，追求丰富的单纯，包括结构、笔墨和色彩的单纯。这种简化的形式是真正“有意味的形式”（克莱夫·贝尔），旨在表现“高简诗人意”（杜甫），而不是像鲁迅批评文人画末流所说的“竞尚高简，变成空虚”那样的单调乏味。实际上，广琴正是沿着中国历代性灵派画家或个性派画家的路子继续前行，在她的写意花鸟画创作中不断强化个性与简化形式，进行现代性探索。
广琴尊重传统，但并不盲从传统，也许是爱读鲁迅的缘故，她对中国文化传统始终保持着清醒的理性的批判精神。她写的论文《中国画“南北宗论”批判》（2000）就对以董其昌为代表的文人画传统的复古倾向和宗派偏见进行了理性的分析批判。她在批判传统中思考，发现传统文人写意花鸟画以“言志载道”为宗旨的“立意程式化”“太过庄重则难免迂腐”，“并不熨贴人性本质的一腔情怀。”因此，她认为“现代甚至未来表现自然的本质和人与自然的关系之大美可能是花鸟画惟一的真命题。”她这种深刻的现代性思考，已经超越了强化个性与简化形式的艺术本体层面，进入了更博大的形而上哲学的审美理想境界。在这里，我不拟讨论“天人合一”之类玄奥的哲学问题，还是按照本文的论述逻辑，把广琴的写意花鸟画放在清雅嫩逸、独抒性灵、强化个性与简化形式的理论框架中来考察。